Je me souviens distinctement d’avoir regardé mon catalogue photo il y a quelques années en me sentant complètement bloqué. La règle des tiers était bien ancrée dans ma tête, je comprenais enfin comment équilibrer le triangle d’exposition en mode manuel, et ma mise au point était généralement très nette. Mais pour une raison quelconque, mes photos semblaient encore un peu plates. Elles n’avaient pas ce côté cinématographique et percutant dont je raffolais dans mes livres et fanzines photo préférés.

Puis, un ami à moi qui photographie principalement en pellicule pour le cinéma m’a posé une question très simple : « Est-ce que tu penses à la roue des couleurs avant d’appuyer sur le déclencheur ? »

Honnêtement ? Non. Je réagissais juste à ce qui se trouvait devant moi. Si quelqu’un marchait dans la rue avec style, je prenais la photo. S’il y avait une belle voiture vintage garée devant un diner, je déclenchais. Je ne faisais pas attention aux interactions des couleurs dans le cadre. Une fois que j’ai commencé à appliquer un tout petit peu de théorie des couleurs basique à ma photographie, mon travail s’est complètement transformé. C’était comme débloquer un code de triche. Vous n’avez pas besoin d’être un peintre légendaire ou d’avoir un diplôme d’art pour réussir cela. Laissez-moi vous expliquer comment je le comprends.

Qu’est-ce que la théorie des couleurs ? (Pas de panique)

Chaque fois que quelqu’un prononçait les mots « théorie des couleurs », mon cerveau se déconnectait immédiatement. Ça semblait beaucoup trop académique pour quelqu’un qui voulait juste se balader avec un vieux appareil photo argentique et faire des portraits de rue. Mais en réalité, la théorie des couleurs est simplement l’étude de la façon dont les couleurs interagissent, contrastent et s’harmonisent entre elles.

Nous connaissons tous la roue des couleurs de base depuis les cours d’art à l’école primaire. Il y a les couleurs primaires — rouge, bleu et jaune. En les mélangeant, on obtient les couleurs secondaires comme le vert, l’orange et le violet. En mélangeant celles-ci, on obtient les couleurs tertiaires. La roue des couleurs est juste une représentation visuelle de la façon dont ces teintes se placent les unes à côté des autres. La magie opère quand on comprend quelles parties de cette roue sont amies, et quelles parties aiment se disputer l’attention.

Couleurs complémentaires : la façon la plus simple de faire ressortir vos images

Si vous ne retenez qu’une chose de cet article, que ce soit celle-ci : les couleurs complémentaires. Ce sont les couleurs qui se trouvent exactement en face l’une de l’autre sur la roue des couleurs. Parce qu’elles sont complètement opposées, les placer côte à côte crée le contraste le plus fort possible. Elles rendent chacune l’autre plus lumineuse et intense.

Les trois grandes paires à surveiller sont rouge et vert, bleu et orange, et jaune et violet.

Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi tous les gros films d’action hollywoodiens semblent baignés dans des tons orange et teal ? C’est la théorie des couleurs complémentaires à l’œuvre. Les tons de peau humains appartiennent naturellement à la catégorie chaude, orangée. Si vous voulez que votre sujet ressorte absolument à l’écran, vous le placez sur un fond bleu foncé ou teal froid. En termes pratiques, pensez à faire un portrait d’un ami pendant l’heure dorée (lumière orange) avec l’océan bleu profond derrière lui. Votre appareil photo va adorer.

Un autre classique est le rouge et le vert. J’adore chercher ça dans la vraie vie. Si je vois une forêt verte luxuriante, je croise les doigts pour que mon sujet porte un bonnet rouge cerise ou une veste rouge vif. Le contraste est instantané et attire le regard du spectateur exactement là où vous le souhaitez. C’est naturellement agréable pour les yeux humains.

Couleurs analogues : créer une ambiance

Alors que les couleurs complémentaires jouent sur le contraste et font ressortir le sujet, les couleurs analogues jouent sur l’harmonie. Les couleurs analogues sont trois couleurs qui se trouvent juste à côté les unes des autres sur la roue des couleurs. Pensez au rouge, orange et jaune. Ou bleu, teal et vert.

Quand vous remplissez votre cadre avec des couleurs analogues, la photo paraît immédiatement cohérente, atmosphérique et réfléchie. Vous ne choque pas le spectateur avec un contraste intense ; vous l’attirez dans une ambiance spécifique.

La photographie d’automne est en quelque sorte l’exemple parfait des couleurs analogues. Quand vous cadre une vieille cabane entourée de feuilles jaunes, orange et rouge foncé, l’image paraît incroyablement chaleureuse et confortable. Si vous sortez tôt le matin avant le lever du soleil pour faire de la photo de rue par temps de brouillard, vous êtes dans des tons bleus, cyans et verts froids. Cela crée une ambiance calme, parfois solitaire, mais incroyablement belle.

Monochromatique : plus que noir et blanc

Quand la plupart des photographes entendent « monochrome », ils pensent immédiatement au film noir et blanc. Mais en théorie des couleurs, monochromatique signifie simplement prendre une couleur de base unique et explorer différentes nuances, tons et teintes de celle-ci dans la même image.

Imaginez faire un portrait devant un mur de briques, où votre sujet porte un pull bordeaux et tient un parapluie rouge vif. Vous superposez différentes variations de la couleur rouge. Les images monochromatiques sont étonnamment difficiles à trouver dans la nature, mais quand vous en tombez sur une, ou que vous prenez le temps d’en créer une, elles ressemblent à des photos dignes d’un magazine éditorial haut de gamme.

Comment commencer à utiliser cela lors de votre prochaine balade photo

Vous ne pouvez pas toujours contrôler le monde autour de vous, surtout si vous faites beaucoup de photo de rue, documentaire ou lifestyle. Mais vous pouvez contrôler ce que vous cherchez et comment vous cadre vos prises de vue.

• Regardez d’abord l’arrière-plan : Avant même de lever mon appareil à mon œil, je regarde les plus grands blocs de couleur dans l’environnement. Si je trouve un grand mur jaune magnifiquement texturé, je vais littéralement rester là à attendre. J’attends qu’une personne portant une veste bleue ou violette passe. Cela demande de la patience, mais le résultat en vaut toujours la peine.
• Communiquez avec vos sujets : Si je prévois une séance portrait avec un ami, je lui demande toujours ce qu’il compte porter. Si nous faisons la séance dans un champ vert ouvert, je lui suggère doucement d’éviter de porter du vert pour ne pas se fondre comme un camouflage.
• Photographiez avec la lumière : Rappelez-vous que l’heure de la journée agit comme un énorme filtre de couleur sur le monde entier. L’heure dorée pousse agressivement les jaunes et oranges dans votre scène, tandis que l’heure bleue (juste après le coucher du soleil) enveloppe tout dans un cyan froid et atmosphérique.

Comment le matériel influence le rendu des couleurs

On ne peut pas parler de couleur sans parler du matériel lui-même. Une des principales raisons pour lesquelles je suis tombé amoureux des appareils photo vintage et des objectifs plus anciens est la façon dont ils rendent les couleurs. Les objectifs numériques modernes sont incroyablement nets, mais ils peuvent être un peu cliniques. Ils reproduisent les couleurs parfaitement, ce qui, ironiquement, peut sembler un peu sans âme.

Les anciens objectifs à mise au point manuelle des années 70 et 80 ont des revêtements chimiques uniques sur le verre qui décalent naturellement les couleurs. Certains vieux objectifs Minolta rendent les couleurs incroyablement chaudes, donnant à tout une teinte légèrement nostalgique et dorée. Les anciens verres Canon FD ont tendance à avoir un contraste merveilleux qui fait chanter les rouges et verts magnifiquement sur pellicule ou adaptés à un capteur numérique. Vous intégrez essentiellement un profil de couleur directement dans le verre avec lequel vous photographiez.

Si vous voulez commencer à jouer avec la façon dont votre appareil gère la couleur nativement, remplacer un objectif moderne et clinique par une pièce classique de verre est la meilleure façon de le faire. Vous n’avez pas besoin de vous ruiner non plus. Nous avons toujours une belle sélection de matériel analogique prêt pour une seconde vie. Je recommande vivement de jeter un œil à quelques objectifs classiques Minolta ou de prendre quelques filtres d’objectif amusants pour expérimenter le réchauffement et le refroidissement de vos scènes sur le vif. Le verre physique gère simplement la lumière différemment qu’un curseur dans un logiciel de retouche.

Commencez à faire attention aux couleurs qui dominent votre viseur. Cherchez ces paires complémentaires satisfaisantes, recherchez des scènes analogues harmonieuses, et amusez-vous. Une fois que vous aurez entraîné votre cerveau à voir la roue des couleurs dans la nature, votre photographie ne sera plus jamais la même, et vos images auront ce tirage frappant et délibéré que vous cherchiez.