Jag minns tydligt att jag för några år sedan tittade på min fotokatalog och kände mig helt fast. Jag hade tredjedelsregeln inpräntad i huvudet, jag förstod äntligen hur man balanserar exponerings-triangeln i manuellt läge, och min fokus var generellt knivskarp. Men av någon anledning kändes mina bilder fortfarande lite platta. De hade inte den där filmiska, kraftfulla känslan som jag var besatt av i mina favoritfotoböcker och zines.

Sen frågade en kompis till mig, som mest fotograferar på film för rörlig bild, en väldigt enkel fråga: "Tänker du på färghjulet innan du trycker på avtryckaren?"

Ärligt talat? Det gjorde jag inte. Jag reagerade bara på vad som än fanns framför mig. Om någon gick på gatan och såg cool ut, tog jag bilden. Om det stod en snygg vintagebil parkerad vid en diner, klickade jag av. Jag ägnade ingen uppmärksamhet åt hur färgerna samspelade i bilden. När jag började använda bara lite grundläggande färglära i min fotografering förändrades mitt arbete helt. Det kändes som att låsa upp en fusk-kod. Du behöver inte vara en legendarisk målare eller ha en konstexamen för att få detta rätt. Låt mig guida dig genom hur jag tänker kring det.

Vad är egentligen färglära? (Ingen panik)

När någon brukade säga orden "färglära" stängde min hjärna genast av. Det lät alldeles för akademiskt för någon som bara ville vandra runt med en gammal filmkamera och ta gatuporträtt. Men i grunden är färglära helt enkelt studiet av hur färger samspelar, kontrasterar och harmoniserar med varandra.

Vi känner alla till det grundläggande färghjulet från lågstadiets bildlektioner. Du har dina primära färger—rött, blått och gult. Blandar du dem får du sekundära färger som grönt, orange och lila. Blandar du dessa får du tertiära färger. Färghjulet är bara en visuell representation av hur dessa nyanser ligger bredvid varandra. Magin händer när du förstår vilka delar av hjulet som är vänner, och vilka delar som älskar att tävla om uppmärksamhet.

Komplementfärger: Det enklaste sättet att få bilder att poppa

Om du tar med dig bara en sak från det här inlägget, låt det vara detta: komplementfärger. Det är färger som sitter exakt mitt emot varandra på färghjulet. Eftersom de är fullständiga motsatser skapar de högsta möjliga kontrasten när de placeras bredvid varandra. De får varandra att se ljusare och mer intensiva ut.

De tre stora paren du ska hålla utkik efter är rött och grönt, blått och orange, samt gult och lila.

Har du någonsin undrat varför varje stor Hollywood-actionfilm ser ut att vara badad i orange och teal? Det är komplementfärgsteori i praktiken. Människans hudtoner faller naturligt in i den varma, orangeaktiga kategorin. Om du vill att ditt motiv verkligen ska poppa ur bilden placerar du det mot en kall, mörk blå eller teal bakgrund. I praktiken, tänk dig att ta ett porträtt av en vän under gyllene timmen (orange ljus) med det djupblå havet bakom. Din kamera kommer att älska det.

En annan klassiker är rött och grönt. Jag älskar att leta efter detta i verkliga livet. Om jag ser en frodig grön skog håller jag tummarna för att mitt motiv råkar ha på sig en körsbärsröd mössa eller en klar röd jacka. Kontrasten är omedelbar och drar betraktarens blick precis dit du vill. Det är naturligt behagligt för ögat.

Analoga färger: Skapa en stämning

Medan komplementfärger handlar om kontrast och att få motivet att poppa, handlar analoga färger om harmoni. Analoga färger är tre färger som sitter precis bredvid varandra på färghjulet. Tänk rött, orange och gult. Eller blått, teal och grönt.

När du fyller din bild med analoga färger känns fotot genast sammanhängande, stämningsfullt och genomtänkt. Du chockar inte betraktaren med intensiv kontrast; du drar in dem i en specifik atmosfär.

Höstfotografering är i princip affischen för analoga färger. När du ramar in en gammal stuga omgiven av gula, orange och djup röda löv känns bilden otroligt varm och mysig. Om du är ute tidigt på morgonen innan solen går upp för att fotografera gatufoto en dimmig dag, jobbar du med blått, cyan och kalla gröna toner. Det skapar en tyst, ibland ensam, men otroligt vacker stämning.

Monokromatiskt: Mer än svartvitt

När de flesta fotografer hör "monokrom" tänker de genast på svartvit film. Men i färglära betyder monokromatiskt bara att man tar en enda basfärg och utforskar olika nyanser, toner och skiftningar av den inom samma bild.

Tänk dig att ta ett porträtt mot en tegelvägg där ditt motiv har en vinröd tröja och håller ett knallrött paraply. Du använder olika variationer av rött och lägger lager på lager. Monokromatiska bilder är förvånansvärt svåra att hitta i det vilda, men när du råkar på en eller tar dig tid att styla en, ser de ut som om de hör hemma i en exklusiv redaktionell tidning.

Hur du börjar använda detta på din nästa fotopromenad

Du kan inte alltid kontrollera världen runt dig, särskilt om du fotograferar mycket gatufoto eller dokumentärt och livsstilsbilder. Men du kan kontrollera vad du letar efter och hur du ramar in dina bilder.

• Titta på bakgrunden först: Innan jag ens lyfter kameran till ögat tittar jag på de största färgblocken i miljön. Om jag hittar en stor, vackert texturerad gul vägg står jag bokstavligen bara där och väntar. Jag väntar tills någon med en blå eller lila jacka går förbi. Det kräver tålamod, men resultatet är alltid värt det.
• Kommunicera med dina motiv: Om jag planerar en porträttfotografering med en vän frågar jag alltid vad de tänker ha på sig. Om vi ska fotografera på en öppen grön äng föreslår jag försiktigt att de undviker grönt så att de inte smälter in som kamouflage.
• Fotografera med ljuset: Kom ihåg att tid på dagen fungerar som ett jättestort färgfilter över hela världen. Gyllene timmen trycker aggressivt in gula och orange toner i din scen, medan blå timmen (strax efter solnedgång) sveper in allt i kall, stämningsfull cyan.

Hur utrustning påverkar färgåtergivning

Vi kan inte prata om färg utan att prata om själva utrustningen. En av huvudorsakerna till att jag blev förälskad i vintagekameror och äldre objektiv är hur de återger färg. Moderna digitala objektiv är otroligt skarpa, men kan kännas lite kliniska. De återger färger perfekt, vilket ironiskt nog kan kännas lite själlöst.

Äldre manuella objektiv från 70- och 80-talet har unika kemiska beläggningar på glaset som naturligt skiftar färger. Vissa gamla Minolta-objektiv återger otroligt varmt och ger allt en lätt nostalgisk, gyllene ton. Gamla Canon FD-glas tenderar att ha underbar kontrast som får röda och gröna färger att sjunga vackert på film eller när de adapteras till en digital sensor. Du bakar i princip in en färgprofil direkt i glaset du fotograferar med.

Om du vill börja leka med hur din kamera hanterar färg naturligt är det bästa sättet att byta ut ett modernt, kliniskt objektiv mot ett klassiskt glas. Du behöver inte heller spräcka banken. Vi har alltid en fin rotation av analog utrustning redo för ett andra liv. Jag rekommenderar starkt att kolla in några klassiska Minolta-objektiv eller plocka upp några roliga objektivfilter för att experimentera med att värma upp och kyla ner dina scener på direkten. Fysiskt glas hanterar helt enkelt ljus annorlunda än en reglage i redigeringsprogram.

Börja lägga märke till vilka färger som dominerar i din sökare. Leta efter de tillfredsställande komplementära paren, sök harmoniska analoga scener och ha kul med det. När du väl tränat din hjärna att se färghjulet ute i det vilda kommer din fotografering aldrig att se likadan ut igen, och dina bilder kommer att ha det där slående, genomtänkta drag som du har letat efter.